Formation spécialisée pour les photographes qui souhaitent développer des compétences en photographie publicitaire et créative de produit
Toutes les clés pour réaliser des photographies de produits pour aider vos clients à mieux vendre.
Formation d’une durée de 29h00 sur 3 jours.
Objectifs de la Formation :
Les connaissances apportées aux photographes, par les 3 jours de formation :
– Comprendre et savoir où trouver et comment développer une idée, une série ou un projet de shoot client ou portfolio pour se démarquer;
– Comprendre, analyser et savoir répondre à une demande client;
– Connaître, analyser et appliquer une stratégie business pérenne en photo de produit;
– Connaître et comprendre les particularités du matériel photo pour du produit;
– Savoir préparer des produits avant un shoot;
– Apprendre les techniques de composition et de prise de vue spécifiques au produit (focus stacking notamment);
– Comprendre comment utiliser la lumière pour mettre en valeur un produit et/ou suivre une direction artistique définie;
– Initiation au set design;
– Comprendre comment retoucher une photo de produit selon les standards des plus grands clients;
En plus des 3 jours de formation, chaque photographe bénéficiera de :
– 20 min en visioconférence en 1-to-1 dans les 15 jours suivant la formation afin d’obtenir une critique et appréciation du travail personnel réalisé après la formation et répondre aux éventuelles questions arrivées après la formation.
Niveau de connaissances préalables requis pour suivre cette Formation:
Cette formation ne s’adresse pas à des débutants en photographie.
Afin de suivre la formation, il est nécessaire de:
– Avoir des connaissances de base de Photoshop;
– Disposer de Capture One Pro, All in One ou idéalement Studio (au moins en version d’évaluation);
– Être installé en studio/home studio ou avoir accès à un studio avec au moins 3 sources de lumières artificielles;
– Être un minimum aguerri en techniques de prise de vues, savoir utiliser son appareil photo en dehors du mode automatique et savoir utiliser un flash en dehors du mode TTL.
Matériel Pédagogique demandé à chaque participant à la formation:
Chaque participant devra se munir de son appareil photo, carte mémoire, trépied pour l’appareil photo, câble USB pour relier son appareil à son ordinateur, de 3 flashs de studio avec déclencheur (idéalement avec bol/réflecteur 18-21cm et/ou snoot), de trépieds pour les flashs, pour la formation puisque des parties de la formation sont consacrées à la prise de vues, ainsi que de son ordinateur équipé des logiciels de post-production et de retouches, d’habitude utilisés par les stagiaires dans leur pratique photographique.
Méthode d’évaluation des acquis :
Pour chaque chapitre de la formation, une partie théorique est suivie d’une partie de mise en place pratique et de conseils adaptés à différentes situations. Travail individuel ou de groupe à prévoir, chaque jour. Une évaluation de la formation sera réalisée par le formateur à l’issue de la formation.
Nature de l’action de formation, au sens de l’article L.6313-1 du Code du travail:
Perfectionnement et Acquisition de connaissances, développement de compétences dans la prise de vues photographique, le traitement des images, ainsi que dans le développement commercial d’une entreprise photographique proposant des prestations photographiques de publicité comprenant des sujets tels que la photographie de nature morte, la photographie de produit, la photographie de boisson, la photographie de nourriture, etc.
Nature de la sanction de l’action de formation et modalités d’évaluation jalonnant la formation :
Différents exercices pratiques seront réalisés pendant la formation par les stagiaires, encadrés par le formateur. Ces exercices seront réalisés individuellement ou en groupe. Une évaluation des connaissances de chaque stagiaire sera remis à la fin de la formation aux stagiaires, sous la forme d’une évaluation des acquis. Les méthodes pédagogiques employées sont essentiellement interrogatives, affirmatives, démonstratives et participatives. Les techniques pédagogiques sont : Expression orale et écrite, partage en groupe, exercices de prise de vues, mises en situation. Les mises en situation et les exercices pratiques permettront au formateur d’évaluer la compréhension et l’acquisition des savoir-faire, et la maîtrise des logiciels.
Modalités de contrôle de l’assiduité de chaque stagiaire :
Chaque stagiaire se verra devoir signer une feuille d’émargement demie-journée par demie-journée, pour chaque journée de la formation. Un scan de cette feuille d’émargement sera remis à chaque stagiaire, ainsi qu’une attestation individuelle de présence, à la fin de la formation.
Quentin Décaillet est un photographe publicitaire spécialisé dans la photographie de produits et de beauté. Il est reconnu et apprécié de ses clients et par ses paris grâce à son expertise technique, sa capacité à capturer l’essence des marques et à produire des images graphiquement saisissantes.
Quentin a commencé sa carrière professionnelle dès l’âge de 15 ans en tant qu’informaticien spécialisé dans le développement. C’est là qu’il découvre Photoshop en créant ses premiers sites web. Il se passionne alors rapidement pour la création de scripts et d’extensions pour la suite Adobe. Après un voyage linguistique à New York, il travaille dans la vente et le support technique pour des grandes entreprises suisses avant de se consacrer pleinement à la photographie en 2012.
En 2013, Quentin lance son entreprise en raison individuelle, se spécialisant d’abord dans la photographie de mariage. Son talent se fait rapidement remarquer, le rendant rentable en seulement six mois et lui permettant de collaborer avec des magazines spécialisés en Suisse (SeMarier.ch) et à l’international (publications magazines appartenant au groupe Condé Nast). Il remporte également des prix prestigieux lors de compétitions telles que WPPI et Fearless Awards.
L’année suivante, Quentin se tourne vers la photographie de studio, et en seulement trois mois, il décroche ses premiers clients dans le domaine du packshot, travaillant pour des entreprises locales puis élargissant rapidement son portefeuille de clients. Il collabore avec des agences de voyages nationales et des marques horlogères renommées comme Tissot et Ulysse Nardin.
En 2015, Quentin est repéré par Fstoppers, un magazine en ligne et une plateforme d’apprentissage en ligne anglophone leader dans son domaine. Il y contribue pendant plus de trois ans chaque semaine en tant que Senior Staff Writer puis en réalisant trois formations dédiées à Capture One, au traitement de photos de mariage et à la retouche de portraits. Fort de son héritage familial d’enseignants, Quentin développe un goût pour la formation et le partage de connaissances. Il lance alors sa chaîne YouTube, qui compte aujourd’hui près de 40 000 abonnés francophone, et réalise plusieurs formations pour le site français d’e-learning Empara, suivies par plus de 2 000 élèves.
Parallèlement à ses activités de formateur, Quentin continue de travailler dans la photographie publicitaire, collaborant avec des marques prestigieuses telles que MAC Cosmetics, Krug, Nespresso, Logitech, NTN, Bobst, Koenig & Bauer, Orell Füssli ou encore Mizensir pour ne citer qu’une partie de ses clients. En 2023, l’agence de représentation d’artiste parisienne Creasenso le repère et le signe comme l’un de ses cinq photographes, lui permettant ainsi d’étendre son rayonnement à l’international et de viser un marché inaccessible auparavant.
La formation est limitée à 9 participants et est réservée aux photographes professionnels ou aux personnes souhaitant s’installer de façon professionnelle dans le métier de photographe.
Cette formation ne s’adresse pas à des débutants, mais à toute personne ayant déjà utilisé des flashs et ayant déjà travaillé en studio. Aucune expérience préalable de photo de produit n’est nécessaire. De bonnes connaissances de base de Photoshop sont nécessaires (masques, calques, calques de réglages, etc.) et des connaissances de Capture One sont un avantage.
Les stagiaires de la formation doivent avoir l’envie d’évoluer vers une certaine réussite professionnelle et stabilité dans leur vie personnelle comme professionnelle, et mieux maîtriser les techniques photographiques à utiliser pour se développer la photographie publicitaire de produit. Les stagiaires sont aussi ouverts à la remise en question et à une approche différente et personnelle de la créativité pour développer des images et un portfolio uniques.
Dans un monde où l’image joue un rôle central, la photographie publicitaire et créative de produit est devenue un pilier incontournable pour les marques souhaitant se démarquer et captiver leur audience. Pourtant, exceller dans ce domaine exige bien plus qu’un simple œil artistique. Cela nécessite une maîtrise technique avancée, une compréhension des besoins commerciaux, et une capacité à raconter des histoires à travers des visuels percutants.
De nombreuses entreprises recherchent aujourd’hui des photographes capables de créer des images qui ne se contentent pas d’être belles, mais qui vendent. Que ce soit pour des publicités, des sites e-commerce ou des réseaux sociaux, les produits doivent être mis en scène de manière à provoquer une émotion, transmettre des valeurs et inciter à l’achat. Une formation spécialisée permet aux photographes de répondre à cette demande en maîtrisant les techniques spécifiques de ce type de photographie.
Dans un marché concurrentiel, se spécialiser en photographie publicitaire et créative de produit permet de développer un style unique, d’attirer des clients haut de gamme, et de renforcer son positionnement professionnel. Cette formation est conçue pour offrir aux photographes les clés pour construire des portfolios qui impressionnent et ouvrent des portes dans l’industrie.
Investir dans cette formation, c’est investir dans son avenir en tant que photographe. Elle permet d’acquérir les compétences nécessaires pour évoluer dans un secteur en pleine croissance, tout en donnant la liberté de s’exprimer artistiquement. Pour ceux qui souhaitent transformer leur passion pour l’image en une expertise professionnelle recherchée, cette formation est un véritable tremplin.
La formation a une durée de 29h, en présentiel, répartie sur 3 jours, de 8h00 à 13h00 puis de 14h00 à 19h00.
Une partie de la formation sera théorique, puis suivie d’exercices pratiques à chaque étape de la formation, (prise de vues et retouches) individuellement et en groupe, pour une meilleure compréhension de la formation et assimilation des connaissances. De nombreux exercices pratiques sont à prévoir en conditions réelles !
Journée #1 (9h30 de formation)
Business, créativité et notions de base
07h45 – 08h00 – Accueil, café, et mise en place
08h00 – 13h00 (5h00, incl. pause de 15min) – Formation
13h00 – 14h00 – Pause déjeuner
14h00 – 19h00 (5h00, incl. pause de 15min) – Formation
Présentation des Chapitres :
Chapitre 1 : Introduction et présentation
Chapitre 2 : Développement d’un projet et de sa créativité
Chapitre 3 : Introduction au Set design
Chapitre 4 : Créer un portfolio qui vous vend vraiment
Chapitre 5 : Réussir dans la photographie publicitaire
Chapitre 6 : Les documents importants
Chapitre 7 : Matériel
Chapitre 8 : Avant un shoot
Chapitre 9 : Notions de base
Chapitre 1 : Introduction et présentation
1.1 Accueil sur le lieu de la formation et présentation des lieux
1.2 Présentation du formateur
1.3 Présentation des participants (bref parcours, motivation, attentes)
1.4. Présentation du programme de la formation
Chapitre 2 : Développement d’un projet et de sa créativité
2.1 Voix artistique: trouver son moteur d’inspiration et de créativité
Présentation des travaux de Quentin et le processus créatif derrière les images. Introduction à la “voix artistique” (ou “style photographique”) et pourquoi il est crucial de la développer.
2.2 (Re)Trouver sa créativité
Différents exercices pratiques poussant à la libération de la créativité et de sa voix artistique.
2.3 Développer un concept pour lui donner vie
Introduction à la direction artistique et au développement créatif. Ce chapitre permettra de juger une idée avant sa réalisation, afin de savoir si elle a du potentiel ou non et comment développer ce potentiel afin d’en générer un projet final unique, authentique et correspondant à notre voix artistique.
2.4 Projets personnels, éditoriaux, spéculatifs et commerciaux: quoi et pourquoi?
Différence entre les types de projets et l’importance de chacun.
Chapitre 3 : Introduction au Set design
3.1 Quand et comment chercher des “props” ?
Cette partie est dédiée à la recherche d’accessoires pour créer ses décors. Où les trouver ? Comment les trouver et savoir si ça marchera ? A quel moment de la pré-production commencer les recherches ?
3.2 Quand engager un set designer ou model maker ?
Quelles sont les limites à la création d’un décor soi-même et quand faut-il faire appel à une équipe? Quels avantages offrent un set designer ou un model maker ? Y a-t-il des différences entre les set designers et models makers ou tous peuvent réaliser le même travail ?
3.3 Set design vs. retouche vs. CGI (3D) vs. Ia: quoi, quand et pourquoi?
Quelles sont les différences entre les différents moyens de réaliser un décor ? Vaut-il toujours mieux tout faire à la main ? Quels sont les points à considérer et quand faut-il prendre une décision ? Quels sont les coûts des différentes solutions ?
3.4 Exemples de réalisations
Chapitre 4 : Créer un portfolio qui vous vend vraiment
4.1 Qu’est-ce qu’un client attend d’un photographe ?
Un client vient avec un problème et demandera à une agence de publicité, une agence de production ou un photographe de le résoudre. Comment comprendre la problématique du client et comment répondre à ses attentes ? Que faire pour se vendre et qu’éviter ?
4.2 Qu’est-ce qui fait un bon photographe de pub ?
Du photographe qui fait tout lui-même au photographe qui gère une équipe de 20 personnes, qu’est-ce qui fait qu’un photographe de pub est demandé et redemandé? Quel est le rôle du photographe dans une production et sur le set ? Quelles différences y a-t-il entre un photographe qui travaille sur des projets à €1’000 et un photographe qui décroche des budgets de ≥€50’000
4.3 Les styles qui marchent
Les tendances vont et viennent. Faut-il les suivre ou les fuire ? Quels styles sont tendances actuellement et qu’est-ce que le marché de la photographie recherche ?
4.4 Des images pour se vendre
Toutes les photos ne sont pas des bonnes photos de pub. Une bonne photo de pub permet au client de se démarquer, de mettre en avant un produit ou un service, ou de renforcer son image ou sa notoriété. Quels aspects doit-on considérer en tant que photographe pour réaliser de bonnes images de pubs, même quand il s’agit de projets personnels afin de continuer à avoir du travail.
4.5 Organiser son portfolio
Le choix des images et leur organisation dans un portfolio sont cruciaux. Un portfolio est très révélateur de la qualité de sélection et de l’oeil du photographe. Un bon portfolio peut faire la différence entre obtenir des jobs ou non. Parfois il ne s’agit pas d’un portfolio qui manque d’images de qualité, mais juste d’un portfolio avec trop d’images ou quelques images “faibles” trop visibles.
4.6 Les portfolios “cachés”
Qu’est-ce qu’un portfolio caché et pourquoi les photographes les utilisent ? Quand faut-il en créer un ou plusieurs et pourquoi ?
4.7 Plus que de la photographie
Les budgets en photographie sont sur le déclin depuis le COVID, mais les photographes se renouvellent. Quels autres domaines peut-on considérer en tant que photographe et comment faut-il envisager l’avenir des photographes de pubs ?
Chapitre 5 : Réussir dans la photographie publicitaire
5.1 Définir sa clientèle
Pourquoi il est important de se spécialiser et qu’est-ce que la spécialisation veut vraiment dire ? Comment trouver des entreprises qui nous correspondent et à qui on peut apporter quelque chose ?
5.2 Prospection par email
Comment contacter des entreprises et pourquoi ça marche. Quelle différence y a-t-il entre entreprises et agences de communication ou de production lors de la prospection? Comment tenir une liste de contacts et l’utiliser au mieux pour obtenir de nouveaux clients.
5.3 Les meilleurs moyens de communication pour se vendre
Réseaux sociaux, emails, téléphones, événements, flyers, pro bono… que faire et pourquoi ?
5.4 Bien s’entourer
Quand commencer à trouver une équipe et comment sélectionner les bonnes personnes pour s’entourer et se développer ? Pourquoi il est important d’avoir une équipe sous la main même si on travaille souvent seul?
Chapitre 6 : Les documents importants
Ce chapitre s’appuiera sur des documents et des échanges clients de différentes tailles que j’ai pu avoir au cours de ces dix dernières années afin d’illustrer les propos et que ce chapitre puissent parler aux débutants comme aux photorgaphes plus avancés.
6.1 Deck ou Brief
Le premier document reçu par le client, qu’en faire ? Que faire s’il n’y en a pas ?
6.2 Treatment
Vendre sa vision d’un projet pour obtenir un projet ou confirmer l’idée du client à travers sa vision. Comment créer ce document si important et comment faire en sorte que les clients se rappellent de nous ? Pourquoi ce document est aussi important pour la réalisation d’un devis ?
5.3 Devis
Comment chiffrer sa prestation ? Comment organiser et ventiler son devis ? Quels sont les tarifs pratiqués sur le marché ? Comment négocier son tarif et quelles sont les erreurs à éviter lors de l’établissement du devis ?
5.4 Book de pré-production
Prolongement du treatment, ce document intervient une fois le job gagné (awardé). Pourquoi en faire un même pour les petits jobs ? Quel rôle joue ce document dans la production ?
Chapitre 7 : Matériel
7.1 Le nécessaire
Le matériel c’est bien, une base solide est nécessaire. Mais tout n’est pas obligatoire. De l’appareil aux objectifs, vous découvrirez le matériel nécessaire pour de la photo de produit
7.3 Investir intelligemment
Une fois le matériel nécessaire découvert, il est important de parler d’investissement et de comment bien investir dans le matériel. D’une part, il ne sert à rien de dépenser tout son bénéfice en matériel, bien au contraire, et d’autre part il y a du matériel plus important à avoir que d’autres.
7.3 La créativité dans tous les domaines
La créativité est souvent vue comme quelque chose de nécessaire pour créer de beaux sets ou trouver un concept unique. Toutefois, en photo de produit elle est aussi nécessaire pour le matériel, pour trouver des solutions pour donner vie à nos idées avec ce qu’on a.
Chapitre 8 : Avant un shoot
8.1 Mise en place de la station de Capture
A défaut de travailler avec un DIT ou digi tech, il est primordial de savoir mettre en place sa station de capture avant de commencer à shooter. Quels logiciels sont nécessaires, comment les paramétrer et comment optimiser son flux de travail pour gagner en temps, efficacité et qualité.
8.2 Prelight
Sur un shoot avec un client, si celui-ci a lieu en studio, il est crucial de préparer le shoot en réalisant un prelight. De quoi s’agit-il ? Comment optimiser l’expérience du client et diminuer son niveau de stress grâce à un prelight réussi ?
Chapitre 9 : Notions de base (exemple sur boissons et cosmétiques)
9.1 Set design et composition
Que faire avant de commencer à shooter ? Dans quel ordre réaliser sa prise de vue ? A quoi faut-il faire attention lors de la composition et du set design ?
9.2 Bases de la lumière (rappel)
Lumière dure, douce, spéculaire et diffuse: quelle différence et pourquoi ces quatre notions sont cruciales en photo de produit.
9.3 Les reflets
Les secrets des reflets: une histoire d’angle, mais pas que. Comment dompter les reflets, c’est-à-dire en créer ou en éliminer ?
9.4 Comprendre et donner vie aux matières
La lumière nous permet de modeler les objets mais aussi la matière. Dans ce chapitre nous découvrons comment utiliser les bons modeleurs, de la diffusion, des coupes flux ou des filtres pour renforcer, créer ou modifier l’aspect d’une texture.
9.5 Les miroirs
L’utilisation des miroirs permet de travailler en limitant le nombre de sources sur le set et de créer des effets. Ceux-ci sont très utilisés au cinéma et en produit, vous allez découvrir pourquoi.
9.6 Analyse d’un produit
Avec les bases de la lumière établie, il faut maintenant parler du produit. Chaque produit est unique, mais il y aura toujours des éléments importants. Comment analyser un produit et déceler les pièges qu’il peut poser ?
9.7 Travailler avec plusieurs sources
Le travail multi-sources est avant tout une question d’équilibre et de motivation. Il est possible de travailler avec 10 sources différentes, mais il faut que celles-ci soient motivées, qu’elles aient du sens dans la composition et surtout que le rendu final soit équilibré. Ce chapitre vous permettra de mieux comprendre la motivation d’une source et comment équilibrer plusieurs sources pour un rendu unique et/ou naturel.
9.8 Figer ou marquer le mouvement
Le mouvement en photographie de produit est très important. Qu’il s’agisse de le figer dans le cas de liquide par exemple ou d’en créer pour un effet artistique, les deux sont techniques sont des approches différentes mais cruciales à comprendre et maîtriser.
Journée #2 (9h30 de formation)
Notions avancées et prise de vue
07h45 – 08h00 – Accueil, café, et mise en place
08h00 – 13h00 (5h00, incl. pause de 15min) – Formation
13h00 – 14h00 – Pause déjeuner
14h00 – 19h00 (5h00, incl. pause de 15min) – Formation
Chapitre 10 : Récapitulatif du 1er jour sur une pièce industrielle
Chapitre 11 : Composite fond + produit
Chapitre 12 : Gestion de la zone de netteté
Chapitre 13 : Composite d’éclairage
Chapitre 14 : Pratique par groupes
Chapitre 10 : Récapitulatif du 1er jour sur une pièce industrielle
10.1 Création d’un devis pour job fictif de packshot de pièces industrielles
Reprise des éléments de la partie business du premier jour pour créer un devis et une offre pour un client fictif.
10.2 Création d’une image d’exemple sur une pièce industrielle
Reprise des éléments abordés dans les chapitres du premier jour pour shooter une pièce industrielle pour le brief fictif du sous-chapitre précédent. Le but est de consolider les bases avant de passer à des objets plus complexes et des techniques plus avancées.
Chapitre 11: Composite fond + produit
11.1 Choisir le fond
Quand et comment choisir le fond ? Comment le shooter si on doit créer un fond unique pour la photo de produit sans pouvoir combiner tous les éléments à la prise de vue en une seule image ?
11.2 Inclure le fond
Les différentes méthodes pour changer le fond (translum, fond vert, détourage, intégration 3D, écran) et lesquelles sont les plus avantageuses dans quelles situations (budget, technique, accessibilité, etc.)
11.3 Contraintes d’éclairage
L’éclairage est primordial pour combiner les deux photos. A quoi faut-il faire attention et que faut-il faire pour optimiser l’intégration du fond avec le sujet ?
11.4 L’importance du test sur set
Pourquoi faut-il toujours tester une intégration lors de la 2e prise de vue ? Et quel est alors l’intérêt d’avoir un retoucheur sur le set ? Comment procéder à une intégration rapide pour créer un mockup que le client peut valider ?
Chapitre 12: Gestion de la zone de netteté
12.1 Le principe de Scheimpflug
Qu’est-ce que c’est et comment l’utiliser ? Quel intérêt de travailler avec objectif à bascule et décentrement ou une chambre technique (Sinar, Linhof, Arca Swiss, Cambo, etc..)
12.2 L’empilement numérique
Aussi couramment appelé focus stacking, quel est l’intérêt de l’empilement et comment le faire ? Quand n’est-il pas intéressant ?
Chapitre 13: Composite d’éclairage
13.1 Les limitations de la photo unique
Pourquoi une seule photo ne suffit souvent pas et dans quels domaines ? Quel est l’intérêt de travailler en composant avec plusieurs prises de vue en changeant l’éclairage ?
13.2 Le travail en multi-shot
Comment réaliser une capture parfaite avec plusieurs éclairages ? Pourquoi et comment se laisser du choix en post-production sans compliquer son flux de travail ?
13.3 Les problématiques du multi-shot
Quelles sont les limites de cette technique et comment faire avec ? A quoi faut-il faire attention et dans quelles conditions l’éviter et préférer une image unique avec plus de travail sur la mise en place “physique” ?
13.4 L’importance du test sur set
Pourquoi faut-il toujours tester un composite lors de la prise de vue ainsi que l’intérêt d’avoir soit un retoucheur soit un DIT sur le set ?
Chapitre 14 : Pratique par groupe(s)
14.1 Pratique et récapitulatif
Selon le temps à disposition, soit un moment de pratique par petits groupes ou pratique commune par la réalisation d’autres setups de manière participative.
Journée #3 (9h30 de formation)
Post-Production
07h45 – 08h00 – Accueil, café, et mise en place
08h00 – 13h00 (5h00, incl. pause de 15min) – Formation
13h00 – 14h00 – Pause déjeuner
14h00 – 19h00 (5h00, incl. pause de 15min) – Formation
Chapitre 15 : Traitement des bruts dans Capture One
Chapitre 16 : Flux de travail dans Photoshop: la base
Chapitre 17 : Guider l’oeil du lecteur
Chapitre 18 : Préparation des fichiers finaux
Chapitre 19 : Conclusion
Chapitre 15 : Traitement des bruts dans Capture One
15.1 Réglages de base
Quels réglages appliquer dans Capture One et pourquoi il peut-être intéressant d’avoir plusieurs développements d’une seule image.
15.2 Calques
Quel intérêt d’utiliser les calques et pourquoi ?
15.3 Renforcer l’ambiance d’une image
Comment utiliser Capture One pour renforcer la direction artistique d’un shoot à l’aide de réglages précis (courbes, niveaux, balance des couleurs, éditeur de couleur, etc.) ou de styles.
15.4 Roundtrip avec Photoshop
Comment envoyer les fichiers vers Photoshop facilement et conserver le PSD pour le retravailler dans Capture One ou ultérieurement dans Photoshop.
Chapitre 16 : Flux de travail dans Photoshop: la base
16.1 Masquage, détourage et structure d’un fichier
Les différentes techniques et outils pour masquer et détourer des éléments. De la plume à l’IA, que préférer et quand ? Il est important de connaître et savoir utiliser toutes ces différentes techniques afin de pouvoir travailler rapidement mais aussi précisément que possible.
16.2 Révision du composite
En s’appuyant sur les notions abordées sur le jour 2 de la formation, nous reprenons le composite multi-source, étape très importante avant la suite du flux de travail.
16.3 Nettoyage de poussière
Comment nettoyer les poussières rapidement et efficacement en minimisant les pertes de qualité. Des outils IA payants à ceux de Photoshop jusqu’aux outils les plus basiques comme l’outil tampon, lesquels préférer quand et pour quoi?
16.4 Séparation de fréquence
Qu’est-ce que la séparation de fréquence et comment utiliser la séparation de fréquence pour travailler plus rapidement ? Comme l’utiliser de manière aussi peu destructive que possible.
16.5 Dodge & Burn I
Qu’est-ce que le dodge & burn et comment l’utiliser de manière corrective ? Comment uniformiser ou renforcer certaines textures à l’aide de cette méthode ? Quand préférer la séparation de fréquence ?
Chapitre 17 : Guider l’oeil du lecteur
17.1 Comment faire une bonne retouche ?
La retouche n’est pas qu’une question de nettoyage de poussière, bien loin de là. Le but est de sublimer une image. Cela veut dire maîtriser le regard du lecteur afin que l’image dans sa globalité soit harmonieuse et que les petits détails soient là pour ajouter à l’harmonie de la globalité et non la détruire. Dans ce sous-chapitre, nous découvrons quels éléments sont importants à considérer pour guider l’oeil du lecteur et comment peaufiner l’harmonie globale et macro de nos images.
17.2 Dodge & Burn II
Comment utiliser le dodge & burn de manière plus globale pour guider l’oeil grâce aux niveaux de luminosités et aux contrastes par l’intensité.
17.3 Couleurs
Les couleurs jouent un rôle primordial dans la composition d’une image. Il est important de les comprendre et de les maîtriser. Nous découvrons ici comment créer une palette harmonieuse et les pièges à éviter.
17.4 Contraste et netteté
Les contrastes et la netteté permettent de renforcer les détails et l’importance de certains éléments d’une image. Vous découvrirez comment les gérer et les différentes techniques permettant de tirer le maximum de votre image.
17.5 Fintions
Que ce soit fluidité ou un peu de grain, ou alors des corrections demandées par un client, différentes choses peuvent se présenter à nous une fois la retouche terminée. Nous verrons ici comment les implémenter.
Chapitre 18 : Préparation des fichiers finaux
18.1 Round-trip avec Capture One
Comment et pourquoi ramener les fichiers de Photoshop à Capture One ? Quel est l’intérêt de finaliser les fichiers dans Capture One plutôt que dans Photoshop et dans quels cas il vaut mieux exporter ses fichiers depuis Photoshop ?
18.2 Export depuis Capture One
Comment tirer parti de la puissance de Capture One pour automatiser une partie du processus d’export et rester organisé: utilisation des tokens (éléments), du recadrage pour du multi-format et des métadonnées.
18.3 Archivage
Comment archiver ses images, quelques pistes pour éviter de perdre des images et que garder ou que jeter.
18.4 Livraison des fichiers
Comment délivrer ses images au client afin de faciliter le processus et éviter des ennuis lors de l’utilisation finale ?
Chapitre 19 : Conclusion des 3 jours de formation
19.1 Questions & débriefing
Le formateur prendra le temps de répondre à toutes les questions éventuelles des stagiaires concernant les 3 jours de formation axés sur le business, la créativité, la prise de vue ou la retouche de photo de produit publicitaire. Pour finir, chaque participant recevra un document individuel de validation des acquis de la formation, une attestation de présence individuelle et sera invité à remplir de son côté un formulaire d’évaluation de la formation, qui sera transmis dès la fin de la 3ème journée de formation au formateur.
19.2 QCM d’évaluation des connaissances
19.3 Evaluation de la formation par le formateur et par les stagiaires
smile@amaconseils.com
2614 Chemin du Moulin
84550 Mornas
Marie Astrid : 06 74 52 85 43
Gwen 06 67 86 94 21
est un organisme certifié
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